La historia

Capital de columna antigua georgiana

Capital de columna antigua georgiana


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Capital de la columna georgiana antigua - Historia

Se distinguen por un capitel decorativo acampanado con volutas, dos hileras de hojas de acanto y una elaborada cornisa. En muchos casos, la columna está estriada. Las columnas de este estilo se pueden encontrar dentro y fuera de los edificios del Capitolio, incluido el Capitolio de los Estados Unidos, el edificio de la Corte Suprema, el edificio de oficinas del Senado Russell, el edificio de oficinas de Cannon House y la Biblioteca del Congreso.

El exterior del edificio del Capitolio contiene ejemplos de un estilo de columna corintio modificado, incluido el pórtico central del Frente Este y el Frente Oeste. En el primer piso del ala de la Casa del Capitolio se encuentra el espectacular Salón de las Columnas de techos altos, que toma su nombre de las 28 columnas estriadas de mármol blanco que bordean el corredor.

Los capiteles de las columnas son una variación del orden corintio, que incorporan no solo hojas de acanto clásicas, sino también cardos y plantas de tabaco nativas de América. Los usos anteriores de la vegetación estadounidense en los capiteles del edificio incluyen los capiteles de mazorcas de maíz de Benjamin Henry Latrobe en un vestíbulo del primer piso y sus capiteles de hojas de tabaco en la Rotonda del Senado Pequeño.

El edificio de la Corte Suprema fue diseñado en el estilo arquitectónico corintio clásico, seleccionado para armonizar con los edificios del Congreso cercanos. Su entrada monumental, frente al edificio del Capitolio de los EE. UU., Contiene un pabellón central similar a un templo con un pórtico monumental con 16 columnas de mármol corintias que sostienen un entablamento y un frontón elaborados.

En el Edificio de Oficinas Cannon House y el Edificio de Oficinas del Senado Russell, sus rotondas idénticas contienen 18 columnas corintias que sostienen un entablamento y una cúpula artesonada, y cuyo óculo vidriado inunda la rotonda con luz natural.


Ubicación y primera función del pilar Katskhi

El pilar Katskhi está situado en Imereti, que es una región en la parte occidental de Georgia. Este pilar se eleva a una altura de unos 40 metros (131,23 pies) y domina el pequeño valle fluvial de Katskhura. Como el Katskhi es una característica tan prominente en el paisaje, no es de extrañar que la gente le atribuya un significado especial. Antes de la llegada del cristianismo, por ejemplo, se creía que el Pilar Katskhi había sido utilizado como lugar sagrado por los paganos, ya hace 2000 años. Se pensaba que el monolito representaba a un dios local de la fertilidad y, por lo tanto, se llevaban a cabo ritos de fertilidad allí.

Sin embargo, con la llegada del cristianismo, el pilar Katskhi adquirió una nueva función. La columna de piedra caliza ya no se asoció con la fertilidad. En cambio, se consideró como una forma de separarse del mundo. La práctica ascética de vivir sobre un pilar / monolito tiene su origen en la figura de San Simeón el Estilita, un santo de los siglos IV / V que decidió vivir en lo alto de un pilar. San Simeón hizo esto para poder alejarse de la sociedad y dedicar su tiempo a la oración.


Caracteristicas

Por lo general, una casa de estilo federal es una simple caja cuadrada o rectangular, de dos o tres pisos de altura y dos habitaciones de profundidad. Algunas casas de estilo federal se han hecho más grandes, modificadas con alas salientes, dependencias adjuntas o incluso ambas. En algunas casas y edificios federales, se puede encontrar un elaborado plano de planta curvo o poligonal, como el Octagon House en Washington, D.C. (1799) ubicado en 18 th Street y New York Avenue NW. En el distrito histórico de Rockville en 103 West Montgomery Avenue, la casa Beall-Dawson es un excelente ejemplo de estilo federal.

Muchos elementos de diseño de estilo federal son notablemente discretos. Por ejemplo, la decoración exterior en estilos y diseños federales generalmente se limita a un porche o elemento de entrada. En comparación con una casa georgiana, las columnas y molduras de la arquitectura federal son estrechas y bastante simples.

La arquitectura de estilo federal a menudo muestra conceptos geométricos. Los motivos elípticos, circulares y en forma de abanico formados por líneas radiales estriadas son decoraciones comunes que se encuentran en casas y edificios de oficinas de estilo federal. Uno de los ejemplos estadounidenses más antiguos de tales florituras se encuentra en el techo del comedor de Mount Vernon. Realizado en yeso, el diseño federal contiene un ribete ornamental adornado con hojas de maíz y una roseta central.

Materiales

No es sorprendente que los materiales de construcción en la arquitectura de estilo federal varíen según la ubicación. Las casas del noreste generalmente estaban hechas de tablillas, mientras que las casas del sur a menudo eran de ladrillo, como la mayoría de las casas de estilo federal en el norte urbano, donde la protección contra incendios era muy deseada.

Los techos de cadera coronados por una balaustrada y formas simples a dos aguas (como las de numerosas casas adosadas federales en Washington, DC) e incluso techos con un hastial central coronado por un frontón de fachada frontal, se encuentran entre los estilos de techos federales más populares. La Casa de la Amistad, ubicada en South Carolina Avenue SE en Capitol Hill (c. 1795), es un ejemplo del frontón de la fachada frontal.

Las buhardillas a menudo perforan el techo para traer luz y espacio al ático. The Carberry House (1803) en 421½ Sixth Street S.E. en el área de Capitol Hill de Washington, D.C. es un ejemplo particularmente bueno.

Ventanas

Las ventanas nunca se agrupan en una casa de estilo federal, sino que están dispuestas individualmente en estricta simetría horizontal y vertical. Por lo general, las ventanas frontales en una casa de estilo federal tienen cinco rangos, aunque hay ejemplos de ventanas de tres y siete rangos. Las ventanas de estilo palladiano se utilizan a menudo en los frontones como un adorno arquitectónico. Las ventanas se componen casi invariablemente de hojas de madera de doble guillotina con la hoja superior sujeta en su lugar por pasadores de metal (aún no se habían inventado los contrapesos). Los delgados montantes de madera dividen la ventana en pequeñas luces (cristales). Antes de la Guerra de la Independencia, la luz estándar era de 6 "x 8", pero a medida que mejoraban las tecnologías de acristalamiento, el tamaño aumentaba a 8 "x 13". Generalmente, las ventanas cuentan con seis sobre seis luces, aunque nueve sobre nueve y otras configuraciones también se pueden encontrar en varias casas de estilo federal.

Entrada

Como corresponde a su importancia, especialmente cuando el centro de una fachada estrictamente simétrica, la puerta de entrada de una casa federal suele ser la parte más decorada del exterior de la casa. En este sentido, una luz de ventilador semicircular o elíptica sobre la puerta con o sin luces laterales laterales es un dispositivo favorito utilizado en la arquitectura federal.

El marco de una puerta también puede incluir molduras ornamentadas o un pequeño porche de entrada. Algunos diseñadores de estilo federal a menudo realzan el dramatismo de la entrada principal con líneas curvilíneas, barandillas de escaleras delanteras, balcones de hierro e incluso frentes curvos. Las molduras decorativas, como las dentaduras en forma de dientes, se utilizan a menudo para enfatizar las cornisas en el diseño federal.


La Orden de Corinto

Capitel corintio

La Orden de Corinto

Para asegurarse de que los edificios reflejaran un sentido cohesivo del estilo, los griegos crearon tres ordenes de arquitectura, grupos de elementos de diseño destinados a ir juntos en la decoración exterior de un edificio. Todos los pedidos incluían tipos específicos de columnas, capiteles y decoraciones. Los tres órdenes arquitectónicos griegos eran el dórico, que era el jónico más simple, que era un poco más decorativo y el orden griego corintio.


Columnas corintias en un edificio de estilo neoclásico (U.S. Post Office on Broadway) en la Ciudad de Nueva York

Las proporciones de las órdenes se formaron sobre las del cuerpo humano. los corintio, junto con el compuesto, es el más ornamentado de los pedidos. Este estilo arquitectónico se caracteriza por esbeltas columnas estriadas y capiteles elaborados decorados con hojas de acanto y volutas. Como ocurre con otros estilos clásicos, el tipo de edificio puede solicitar modificaciones al canon del estilo en sí.

Templo de Vesta, Roma. Tiene 20 columnas corintias exteriores sobre un podio de toba de 360 ​​grados y 5 escalones.

Características de estilo

los características más importantes de orden corintio son:

· El capitel colgante, que está tallado con dos filas escalonadas de estilizadas hojas de acanto y cuatro pergaminos.

· El eje tiene veinticuatro flautas de bordes afilados, mientras que la columna es diez diámetros de altura. En sus proporciones, la columna corintia es comparable a la Columna iónica, aunque es más esbelta, y se distingue por su capitel tallado distintivo.

· Los ábaco sobre la capital tiene lados cóncavos que se ajustan a las esquinas de la capital, y puede tener un rosetón en el medio de cada lado.

Estructura de una columna corintia

Esta Orden siempre ha estado relacionada con la Belleza. Tomado en su conjunto, fue desarrollado por los romanos en una expresión del espectáculo arquitectónico más grandioso. . Vitruvio describió la columna corintia como una imitación de la esbeltez de una doncella. El edificio más antiguo conocido diseñado de acuerdo con esta orden es el Monumento Choragic de Lisícrates en Atenas.

Una reproducción del Monumento Choragic de Lysicrates, Sidney

El significado de las hojas de acanto

Las hojas de acanto también se adoptaron en la arquitectura cristiana, en los capiteles galorromanos y en los monumentos sepulcrales, para simbolizar la Resurrección, evidente en el arte románico porque el orden corintio se utilizó principalmente para los capiteles en el coro de una iglesia, fueron guardó las reliquias de los santos a quienes se prometió y se prometió la resurrección, a menudo con un número simbólico de hojas o capullos de flores.

Capitel corintio de una columna de la decoración interior de la celda del templo de la Concordia


Caracteristicas

La arquitectura clásica valoraba conceptos como la audacia, la humildad y el intelecto. Estos valores ayudan a definir los componentes individuales que se pueden encontrar en varios estilos arquitectónicos clásicos. Algunos de estos elementos clave incluyen los siguientes.

  • Simetría y proporciones. Los edificios clásicos suelen ser simétricos y tienen elementos como columnas y ventanas que están espaciados uniformemente.
  • Columnas en un estilo (u orden) específico. Estos órdenes clásicos pueden ser dórico, jónico o corintio para la arquitectura griega. Los romanos también tenían órdenes toscanas y compuestas.
  • Porche delantero rematado con frontón. Muchas casas y edificios cuentan con un porche delantero de altura completa con un frontón clásico en la parte superior. La puerta generalmente se coloca en el centro de la casa.
  • Materiales de construcción duraderos. La arquitectura clásica incorpora materiales como mármol, hormigón y ladrillo.
  • Motivos de diseño clásico. Las casas a menudo tienen molduras dentales, techos de pendiente media, aleros en caja, marcos decorativos de puertas y frontones rotos sobre la puerta de entrada.
  • Ventanas rectangulares. Las ventanas eran a menudo de doble guillotina e incluían una variedad de configuraciones de ventanas simétricas.

Historia de la Arquitectura (3.000 a. C. - presente) Evolución del diseño de edificios


Basílica de San Pedro, Roma, mostrando
La fachada de Maderno y el adaptado
Domo, originalmente diseñado por
Miguel Ángel. Estilo renacentista.


Taj Mahal, India (1632-54)
Un magnífico ejemplo de Mughal
(Mogul) arquitectura.

RECURSOS
Para conocer los términos arquitectónicos, consulte:
Glosario de arquitectura.
Para ver cómo encaja la arquitectura
en la evolución de las bellas artes,
ver :: Historia del Arte.

Relación entre arquitectura y arte

Desde la Antigüedad, la arquitectura, el arte de diseñar y construir edificios, siempre ha estado estrechamente relacionada con la historia del arte, por al menos tres razones. En primer lugar, muchas obras públicas (especialmente edificios religiosos) se diseñaron teniendo en cuenta la estética y la funcionalidad. Fueron construidos para inspirar y cumplir una función pública. Como resultado, involucraron los servicios de una amplia gama de 'artistas' y artesanos decorativos, así como obreros. En segundo lugar, en muchos de estos edificios, los exteriores e interiores actuaron como vitrinas para pinturas de bellas artes (por ejemplo, la Capilla Sixtina), frisos y esculturas en relieve (por ejemplo, el Partenón, catedrales góticas europeas), vitrales (por ejemplo, la catedral de Chartres). y otras obras de arte como mosaicos y orfebrería. En tercer lugar, los programas de construcción pública generalmente iban de la mano con el desarrollo de las artes visuales, y la mayoría de los principales movimientos de "artes" (por ejemplo, Renacimiento, Barroco, Rococó, Neoclásico) influyeron tanto en la arquitectura como en las bellas artes.

La arquitectura primitiva tenía dos funciones principales: (1) consolidar la seguridad y el poder (2) para complacer a los dioses. Cuanto más rica era la sociedad, más importantes se volvían estas funciones. Véase también: Historia del arte: Cronología.

Arquitectura Egipcia

La primera gran civilización que surgió alrededor de la cuenca mediterránea fue la de Egipto (c. 3100-2040 a. C.). Además de su propio lenguaje escrito, religión y clase gobernante dinástica, desarrolló un estilo único de arquitectura egipcia, que consiste en gran parte en cámaras funerarias masivas en forma de pirámides (en Giza) y tumbas subterráneas (en el desolado Valle de los Reyes, Luxor). El diseño era monumental pero no arquitectónicamente complejo y empleaba postes y dinteles, en lugar de arcos, aunque la experiencia egipcia en piedra tuvo una fuerte influencia en la arquitectura griega posterior. Los ejemplos famosos de la arquitectura piramidal egipcia incluyen: La pirámide escalonada de Zoser (hacia el 2630 a. C.) diseñada por Imhotep, uno de los más grandes arquitectos del mundo antiguo, y la Gran Pirámide de Giza (hacia el 2550 a. C.), también llamada la pirámide. de Khufu o 'Pirámide de Keops', la más antigua de las Siete Maravillas del Mundo, compilada por Antipater de Sidón (170-120 a. C.). Más tarde, durante los Reinos Medio y Tardío (c. 2040-300 d. C.), los egipcios construyeron una serie de palacios en Karnak (por ejemplo, el Templo de Amón, 1530 a. C. en adelante). Estas estructuras estaban adornadas con una diversa gama de obras de arte, pocas de las cuales sobreviven, que incluyen murales, paneles, esculturas y trabajos en metal, que representan varios dioses, deidades, gobernantes y animales simbólicos en el estilo de arte hierático egipcio único, junto con inscripciones jeroglíficas. . Para obtener detalles más específicos, consulte: Arquitectura egipcia temprana (3100-2181) Arquitectura egipcia del Reino Medio (2055-1650) Arquitectura del Imperio Nuevo egipcio (1550-1069) Arquitectura egipcia tardía (1069 a. C. - 200 d. C.).

Para una comparación con la arquitectura piramidal de las primeras Américas, consulte: Arte precolombino (c. 1200 a. C. - 1535 d. C.).

Arquitectura sumeria

Mientras tanto, en Mesopotamia y Persia (c.3200-323 a. C.), la civilización sumeria estaba desarrollando su propio edificio único: un tipo de pirámide escalonada llamada zigurat. Pero a diferencia de las pirámides de los faraones egipcios, los zigurats no se construyeron como tumbas sino como montañas artificiales para acercar a los gobernantes sumerios y al pueblo a sus dioses, que supuestamente habitaban en lo alto de las montañas del este. Los zigurats se construyeron con ladrillos de arcilla, a menudo terminados con esmaltes de colores. Para obtener más detalles, consulte: Arte sumerio (c. 4500-2270 a. C.). Para conocer otras culturas del antiguo Iraq, consulte: Arte asirio (c. 1500-612 a. C.) y arte hitita (c. 1600-1180 a. C.). Para obtener una visión general, consulte: Arte mesopotámico (c. 4500-539). Ver también: Cronología del arte prehistórico.

Arquitectura irlandesa temprana

Hacia el final de la Edad de Piedra, comenzaron a aparecer en el norte de Europa megalitos ceremoniales (estructuras construidas con piedras grandes) como la tumba megalítica de Knowth (c. círculo de piedra.) Ya sea dispuestas en posición vertical al aire libre, o enterradas y techadas para formar un 'dolmen', la mayoría de los arqueólogos creen que estas pesadas estructuras de piedra tenían una función religiosa o ritual, y en algunos casos la alineación de sus piedras revela un conocimiento sofisticado de astronomía. Los complejos grabados desenterrados en Newgrange marcan el comienzo de las artes visuales en Irlanda. Para obtener más información sobre edificios antiguos y medievales, consulte Monumentos arquitectónicos de Irlanda. Para tipos más antiguos de sitios históricos, consulte Monumentos arqueológicos de Irlanda.

El primer arte europeo de la antigüedad clásica fue creado por los minoicos, con base en la isla de Creta. La arquitectura minoica utilizó una mezcla de piedra, adobe y yeso para construir palacios elaborados (por ejemplo, el Palacio de Knossos c. 1700-1400 a. C.), así como cámaras funerarias abovedadas (tholos) escondidas en las colinas. Muchos de estos edificios fueron decorados con murales coloridos y pinturas al fresco, que representan símbolos de animales mitológicos (por ejemplo, el toro) y eventos. Desafortunadamente, la mayor parte de la arquitectura minoica fue destruida por terremotos alrededor del 1200 a. C. Creta fue luego tomada por los micénicos de la Grecia continental, de donde surgió una cultura y civilización griegas unificadas unos siglos más tarde.

La historia del arte y la arquitectura en la Antigua Grecia se divide en tres eras básicas: el Período Arcaico (c.600-500 BCE), el Período Clásico (c.500-323 BCE) y el Período Helenístico (c.323-27 BCE). ). [Véase también: Arte del Egeo.] Alrededor del año 600 a. C., inspirados en la teoría y la práctica de los albañiles y constructores de piedra egipcios anteriores, los griegos se propusieron reemplazar las estructuras de madera de sus edificios públicos por estructuras de piedra, un proceso conocido como 'petrificación'. Se empleó piedra caliza y mármol para columnas y paredes, mientras que la terracota se usó para tejas y adornos. La decoración se hizo en metal, como el bronce.

Al igual que los pintores y escultores, los arquitectos griegos no disfrutaron del estatus mejorado otorgado a sus sucesores. No se les veía como artistas, sino como comerciantes. Por lo tanto, no se conocen nombres de arquitectos antes del siglo V a. C. Los tipos más comunes de edificios públicos fueron templos, estructuras municipales, teatros y estadios deportivos.

Métodos arquitectónicos de la antigua Grecia

Arquitectura griega usó técnicas simples de construcción de postes y dinteles. No fue hasta la época romana que se desarrolló el arco para abarcar mayores distancias. Como resultado, los arquitectos griegos se vieron obligados a emplear muchas más columnas de piedra para sostener vigas horizontales cortas sobre sus cabezas. Además, no podrían construir edificios con grandes espacios interiores, sin tener filas de columnas de soporte internas. El formato de construcción estándar, utilizado en edificios públicos como el Hephaesteum en Atenas, empleaba grandes bloques de piedra caliza o una piedra porosa ligera conocida como toba. El mármol, al ser más escaso y valioso, se reservaba para la decoración escultórica, excepto en los edificios más grandiosos, como el Partenón de la Acrópolis.

Diseño de edificio griego

El diseño típico de un edificio rectangular a menudo estaba rodeado por columnas en los cuatro lados (por ejemplo, el Partenón) o más raramente en la parte delantera y trasera solamente (por ejemplo, el Templo de Atenea Nike). Los techos se colocaron con vigas de madera cubiertas con tejas de terracota y no tenían cúpula. Los frontones (la forma triangular aplanada en cada extremo del hastial del edificio) generalmente se rellenaban con decoración escultórica o frisos, al igual que la fila de dinteles a lo largo de la parte superior de cada pared lateral, entre el techo y la parte superior de las columnas. A finales de los siglos IV y V a. C., los arquitectos griegos comenzaron a apartarse del plano estrictamente rectangular de los templos tradicionales en favor de una estructura circular (los tholos), embellecida con mármol negro para resaltar ciertos elementos arquitectónicos y proporcionar ricos contrastes de color.

Estos edificios fueron famosos por estar adornados con una gran variedad de esculturas griegas (obras de frontones, frisos, relieves y varios tipos de estatuas independientes) de naturaleza figurativa, que representan héroes mitológicos y eventos de la historia y la cultura griegas.

Principios de la arquitectura griega: órdenes clásicas

La teoría de la arquitectura griega, posiblemente la forma más influyente del arte griego clásico, se basó en un sistema de `` órdenes clásicos '': reglas para el diseño de edificios basadas en las proporciones de las partes individuales y entre ellas. Esto resultó en una consistencia de apariencia agradable desde el punto de vista estético, independientemente del tamaño o los materiales utilizados. Había tres órdenes en la arquitectura griega temprana: el dórico, Iónico y corintio. El estilo dórico era común en la Grecia continental y luego se extendió a las colonias griegas en Italia. El estilo jónico se empleó en las ciudades de Jonia a lo largo de la costa occidental de Turquía y otras islas del Egeo. Donde el estilo dórico era formal y austero, el jónico era menos sobrio y más decorativo. El tercer estilo, el corintio, vino más tarde y representó un desarrollo más ornamentado del orden jónico. Las diferencias entre estos estilos son más claramente visibles en la relación entre el diámetro de la base y la altura de sus columnas. La arquitectura dórica (ejemplificada por estructuras griegas, como el Partenón y el Templo de Hefesto en Atenas) fue más popular durante la época clásica, mientras que el estilo jónico ganó la delantera durante el período más relajado del arte helenístico (c. 323-30 a. C. ).

Edificios famosos de la antigua Grecia

Ejemplos famosos de la arquitectura griega antigua incluyen: el complejo de la Acrópolis (550-404 a. C.), incluido el Partenón (447-422 a. C.), los templos de Paestum (550 a. C. en adelante), el templo de Zeus en Olimpia (468-456 a. C.), el Templo de Hefesto (hacia el 449 a. C.), el Templo de Atenea Nike (427 a. C.), el Teatro de Delfos (hacia el 400 a. C.), el Templo Tholos de Atenea Pronaia (380-360 a. C.) y el Altar de Pérgamo de Zeus (c.166-156 a. C.). Ver también: Escultura de la Antigua Grecia.

A diferencia de los griegos más creativos e intelectuales, los romanos eran esencialmente personas prácticas con un don para la ingeniería, la construcción y los asuntos militares. Tanto en su arquitectura como en su arte, tomaron prestado en gran medida tanto de los etruscos (por ejemplo, en su uso de la hidráulica para limpiar pantanos y en la construcción de arcos), como también de los griegos, a quienes consideraban como sus superiores en todos los aspectos visuales. letras. Sin embargo, sin el arte romano, con su genio para copiar y adaptar los estilos griegos, la mayoría de los logros artísticos de la antigüedad griega se habrían perdido.

Prioridades arquitectónicas de la antigua Roma

Arquitectura romana atendía las necesidades del estado romano, que estaba ansioso por impresionar, entretener y atender a una población en crecimiento en áreas urbanas relativamente reducidas. El drenaje era un problema común, al igual que la seguridad. Esto, junto con el creciente deseo de Roma de aumentar su poder y majestuosidad en toda Italia y más allá, requería que los edificios públicos fueran imponentes, a gran escala y altamente funcionales. Esto se ejemplifica con los logros arquitectónicos romanos en sistemas de drenaje, acueductos (por ejemplo, el acueducto de Segovia, 100 d.C., y más de 11 acueductos en la ciudad de Roma, como Aqua Claudia y Anio Novus), puentes (por ejemplo, el Pont du Gard) carreteras, estructuras municipales como baños públicos (por ejemplo, los baños de Caracalla y los baños de Diocleciano), instalaciones deportivas y anfiteatros (por ejemplo, el Coliseo 72-80 d. C.), incluso sistemas de calefacción central. También se construyeron numerosos templos y teatros. Más tarde, a medida que su imperio se extendía, los arquitectos romanos aprovecharon la oportunidad para crear nuevas ciudades desde cero, diseñando planes de cuadrícula urbanos basados ​​en dos calles anchas: un eje norte-sur (el cardo) y un eje este-oeste (el decumanus). . El centro de la ciudad estaba ubicado en la intersección de las dos carreteras. También construyeron hacia arriba, por ejemplo, Ostia, una rica ciudad portuaria cerca de Roma, contaba con varios bloques de apartamentos de cinco pisos.

Avances arquitectónicos: arcos y hormigón

La arquitectura romana contó con la ayuda de importantes avances tanto en el diseño como en los nuevos materiales. El diseño se mejoró a través de desarrollos arquitectónicos en la construcción de arcos y cúpulas de techo. Los arcos mejoraron la eficiencia y la capacidad de los puentes y acueductos (se necesitaban menos columnas de soporte para sostener la estructura), mientras que los techos abovedados no solo permitían la construcción de áreas abiertas más grandes bajo techo, sino que también le daban al exterior una apariencia impresionante de grandeza y majestuosidad. como en varias basílicas seculares y cristianas importantes, como el Panteón.

Los desarrollos en materiales también fueron cruciales, como lo narra el arquitecto romano Vitruvio (c. 78-10 a. C.) en su libro. De Architectura. Esto se ejemplifica con la invención romana del hormigón (opus cementicium), una mezcla de mortero de cal, arena, agua y piedras, en el siglo III a. C. Este sustituto excepcionalmente fuerte y conveniente de la piedra revolucionó la ingeniería y la arquitectura romanas. A medida que el hormigón recubierto de baldosas comenzó a reemplazar al mármol como material de construcción principal, los arquitectos podrían ser más atrevidos. Los edificios se liberaron del plan de diseño griego rectangular (con sus techos sin cúpula y líneas de pilares que sostienen arquitrabes planos) y se volvieron menos geométricos y más fluidos.

Al igual que sus predecesores egipcios y griegos, los arquitectos de la antigua Roma embellecieron sus edificios públicos con una amplia gama de obras de arte, que incluyen: escultura romana (especialmente relieves, estatuas y bustos del Emperador), murales al fresco y mosaicos.

Edificios famosos de la antigua Roma

Dos de las estructuras más importantes de la antigua Roma fueron el Coliseo (el anfiteatro elíptico Flavio en el centro de Roma) y la Columna de Trajano (un monumento al emperador Trajano). Situado al este del Foro Romano, el Coliseo tardó 8 años en construirse y tenía capacidad para 50.000 espectadores. Historiadores y arqueólogos estiman que la asombrosa cifra de 500.000 personas y más de 1 millón de animales salvajes perecieron en los "juegos" del Coliseo. La Columna de Trajano, ubicada cerca del Cerro Quirinal, al norte del Foro Romano, fue terminada en 113 EC. Es famoso por su magnífica y muy detallada escultura en bajorrelieve en espiral, que rodea el eje del monumento 23 veces y narra la victoria de Trajano en las guerras dacias. El eje en sí está hecho de 20 enormes bloques de mármol de Carrara, cada uno de los cuales pesa alrededor de 40 toneladas. Tiene unos 30 metros de altura y 4 metros de ancho. Un monumento romano más pequeño pero no menos importante fue el Ara Pacis Augustae (13-9 a. C.).

Impacto de la política y la religión en la arquitectura romana

En 330 d.C., aproximadamente cuando se completó la Basílica de San Pedro, el emperador romano Constantino I declaró que la ciudad de Bizancio (más tarde rebautizada como Constantinopla, ahora Estambul en Turquía), sería la capital del Imperio Romano. Más tarde, en 395 d.C., tras la muerte del emperador Teodosio, el imperio se dividió en dos partes: una mitad occidental con sede primero en Roma hasta que fue saqueada en el siglo V d.C., luego Ravenna (ver mosaicos de Ravenna) y una mitad oriental basada en en la ciudad más segura de Constantinopla. Además, el cristianismo (anteriormente una secta minoritaria) fue declarado la única religión oficial en todo el imperio. Estos desarrollos gemelos impactaron en la arquitectura de dos maneras: primero, la reubicación a Constantinopla ayudó a preservar y prolongar la cultura romana, que de otro modo podría haber sido destruida por los invasores bárbaros de Italia, segundo, el surgimiento del cristianismo proporcionó lo que se convirtió en el tema dominante de la arquitectura y las artes visuales durante los próximos 1.200 años.

Arquitectura bizantina (330-554 CE)

Los arquitectos bizantinos, incluidos numerosos italianos que se habían mudado a la nueva capital desde Italia, continuaron la tradición fluida de la arquitectura romana, construyendo una serie de magníficas iglesias y edificios religiosos, durante la era del arte cristiano primitivo, como: la Iglesia de Chora (c.333) Hagia Irene (c.360) y la Iglesia de San Sergio y Baco, todas en Estambul, la Iglesia de Santa Sofía en Sofía, Bulgaria (527-65), la impresionante Hagia Sophia (532-37 ) que reemplazó a la saqueada Catedral de Constantinopla y a la Iglesia de Hagia Sophia en Salónica. Los grandes edificios seculares incluían: el Gran Palacio de Constantinopla y la Cisterna Basílica.

Las nuevas técnicas arquitectónicas incluyeron el uso de secciones triangulares cóncavas de mampostería, conocidas como pechinas, para llevar el peso de la cúpula del techo a los pilares de las esquinas. Esto llevó a la construcción de cúpulas más grandes y magníficas, y a un mayor espacio abierto dentro del edificio, como se ejemplifica en Hagia Sophia. Los nuevos métodos decorativos incluyeron la introducción de deslumbrantes mosaicos hechos de vidrio, en lugar de la piedra utilizada por los romanos. Los interiores de las iglesias también estaban ricamente decorados con arte bizantino, como dorado, murales y esculturas en relieve, pero no estatuas, ya que no se veneraban como iconos.

Uso de iconos en la arquitectura religiosa bizantina

En la tradición bizantina u ortodoxa oriental del arte cristiano, solo se permiten imágenes planas o esculturas en bajo relieve en el arte religioso. Esta tradición cultural sostenía que las representaciones tridimensionales glorificaban el aspecto humano de la carne en lugar de la naturaleza divina del espíritu, por lo que se oponía a las imágenes religiosas tridimensionales. (Los cristianos romanos, no adoptaron estas prohibiciones, por lo que todavía tenemos la escultura religiosa en la arquitectura católica y protestante.) Tal como estaba, el estilo bizantino de la iconografía se desarrolló de una manera muy estilizada y tenía como objetivo presentar la teología compleja de una manera muy simple. , haciendo posible educar e inspirar incluso a los analfabetos. Por ejemplo, el color era muy importante: el oro representaba el resplandor del cielo rojo, la vida divina, el azul era el color de la vida humana, el blanco era la esencia increada de Dios, utilizada por ejemplo en la pintura de iconos de la Resurrección de cristo. Por lo general, Jesús usa una prenda interior roja con una prenda exterior azul (lo que significa que Dios se vuelve humano), mientras que María usa una prenda interior azul con una prenda exterior roja (lo que significa que los humanos realmente pueden llegar a Dios). Para obtener más información, consulte: Arte cristiano (período bizantino).

Después del período temprano de la arquitectura bizantina (c. 300 a 600), que fue en gran parte una continuación de la arquitectura romana, llegó un período medio (c. 600 a 1100), notable solo por la popularidad del tipo de cruz en cuadrado. diseño arquitectónico de la iglesia (los ejemplos incluyen el monasterio de Hosios Lukas en Grecia (c.1000) y el Monasterio Daphni cerca de Atenas (c.1050) después de esto vinieron los períodos Comnenian y Paleologan (c.1100-1450), conocidos solo por raras logros como Elmali Kilise y otros santuarios rocosos de Capadocia, las Iglesias del Pantokrator y de Theotokos Kyriotissa en Constantinopla.

A medida que continuó el Imperio Romano de Oriente, la arquitectura bizantina se fue influenciando gradualmente más por las tradiciones orientales de construcción y decoración. Los edificios aumentaron en complejidad geométrica, mientras que el ladrillo y el yeso se emplearon además de la piedra con fines decorativos, como los patrones externos en zig-zag. Los 'órdenes clásicos' o estilos anteriores se interpretaron con mayor libertad y las ventanas filtraron la luz a través de finas láminas de alabastro para crear una iluminación más suave. Los dos planos de diseño básicos eran el tipo basilicano o axial (por ejemplo, la basílica del Santo Sepulcro, Jerusalén) y el tipo circular o central (por ejemplo, la gran iglesia octogonal de Antioquía).

Legado arquitectónico bizantino

En Occidente, los diseños bizantinos influyeron en el renacimiento artístico europeo en forma de arte carolingio (750-900) y arte otoniano (900-1050), que desembocaron en la arquitectura románica y gótica. En Oriente, continuó ejerciendo una influencia significativa en el arte y la arquitectura islámicos primitivos, como lo ejemplifica la Gran Mezquita Omeya de Damasco y la Cúpula de la Roca en Jerusalén, mientras que en Bulgaria, Rusia, Serbia, Georgia, Ucrania y otros ortodoxos países, aguantó aún más.

The term Romanesque architecture is sometimes used to cover all immediate derivations of Roman architecture in the West, following the collapse of Rome until the flowering of the Gothic style in about 1200. More usually however, it denotes a distinctive style that emerged almost simultaneously in France, Germany, Italy and Spain (the latter also influenced by Moorish designs) in the 11th century. It is characterized most obviously by a new massiveness of scale, inspired by the greater economic and political stability that arrived after centuries of turmoil.

Charlemagne I and Otto I

The Romanesque revival of medieval Christian art began with Charlemagne I, King of the Franks, who was crowned Holy Roman Emperor in St. Peter's Rome, by Pope Leo III in 800. Famous for his Carolingian art, curiously, his major architectural achievement - the Palatine Chapel in Aachen (c.800) - was not inspired by St Peter's or other churches in Rome, but by the octagonal Byzantine-style Basilica of San Vitale in Ravenna. See also Medieval Sculpture.

Unfortunately, the Carolingian empire rapidly dissolved, but Charlemagne's patronage of architecture and the arts to promote Christianity, marked a vital first step in the re-emergence of a European-wide culture. Moreover, many of the Romanesque and Gothic churches and monasteries were built on the foundations of Carolingian architecture. Charlemagne's pre-Romanesque architectural efforts were later continued by Otto 1 (Holy Roman Emperor 936-73), in a style known as Ottonian Art, which gave way to the fully fledged 'Romanesque.' (Note: the Romanesque style in England and Ireland is commonly referred to as Norman architecture.)

Christianity continued to be the dominant driving force for most significant building works. The flowering of the Romanesque style in the 11th century coincided with the reassertiveness of Rome, as the capital of Christianity, and its influence upon secular authorities led to the Christian re-conquest of Spain (began 1031) and the Crusades to free the Holy Land from Islamic control. The acquisition of Holy Relics by the Crusaders, together with the fervour aroused by their campaigns, triggered the construction of a wave of new churches and cathedrals across Europe. In Italy, they include the Cathedral of Pisa with its famous leaning campanile (bell tower), Modena Cathedral and Parma Cathedral, as well as famous churches like the Santa Maria (Rome), the Baptistery (Florence), and San Zeno Maggiore (Verona). In France, they include Laon Cathedral (among others), and the abbeys of Cluny, Aux Dames (Caen) and Les Hommes (Mont Saint-Michel). In England, they include 26 out of 27 ancient Cathedrals, such as Winchester, Ely and Durham. In Germany, they include Augsburg and Worms Cathedrals (among others) and the abbeys of Mainz, Worms, Speyer and Bamberg. (See German Medieval Art.) In addition to its influence over international politics, the Roman Church also exercised growing power through its network of Bishops and its close association with Monastic orders such as the Benedictines, the Cistercians, Carthusians and Augustinian Canons. From these monasteries, Bishops and Abbots exercised a growing administrative power over the local population, and devoted huge resources to religious works, including illuminated gospel manuscripts, cultural scholarship, metalwork, sculpture and church building. This is exemplified by the powerful Benedictine monastery at Cluny in Burgundy, whose abbey church typified the Romanesque style of architecture and became the largest building in Europe until the Renaissance.

Features of Romanesque Architecture

Although they relied on several design features from Greek and Roman Antiquity, Romanesque architects had neither the imagination of the Greeks, nor the engineering ability of the Romans. For example, Roman building techniques in brick and stone were largely lost in most parts of Europe. In general, the style employed thick walls, round arches, piers, columnsgroin vaults, narrow slit-windows, large towers and decorative arcading. The basic load of the building was carried not its arches or columns but by its massive walls. And its roofs, vaults and buttresses were relatively primitive in comparison with later styles. Interiors were heavy with stone, had dim lighting and - compared with later Gothic styles - simple unadorned lines. Romanesque churches tended to follow a clearly defined form, and are recognizable throughout Europe. Only rarely did one see traces of Byzantine or Eastern influence, except along trade routes. A notable example is the domed St Mark's Basilica in Venice.

Despite its relative simplicity of style, Romanesque architecture did reinstigate two important forms of fine art: sculpture (which had largely disappeared since the fall of Rome) and stained glass. But given the size of windows in Romanesque style buildings, the latter remained a relatively minor element in Medieval art until the advent of Gothic designs. See also: Romanesque Sculpture.

Romanesque Revival architecture was a 19th century style championed by architects like the Louisiana-born Henry Hobson Richardson (1838-86), who was responsible for "Richardsonian Romanesque", as exemplified by the Marshall Field Wholesale Store (1885-87), in Chicago.

NOTE: For a comparison with Eastern designs of the same period, see: the 11th century Kandariya Mahadeva Hindu Temple (1017-29) in India and the 12th century Angkor Wat Khmer Temple (1115-45) in Cambodia.

The term 'Gothic' denotes a style of architecture and art that superceded Romanesque, from the mid-12th century to the mid-15th century. Coined originally as a term of abuse by Italian Renaissance artists and others like Christopher Wren, to describe the type of Medieval architecture they considered barbaric, as if to suggest it was created by Gothic tribes who had destroyed classical art of Antiquity, the Gothic art style is characterized by the use of pointed arches, thinner walls, ribbed vaults, flying buttresses, huge stained glass windows and elaborate tracery. Think of it as a sort of finer, more vertical, more detailed, brighter, more exciting and more inspirational form of Romanesque. The Gothic style as applied to cathedrals is usually divided into two variations: Rayonnant Gothic Architecture (c.1200-1350) and Flamboyant Gothic Architecture (1375-1500). Modern critics like John Ruskin had a high opinion of the Gothic style. For more, see: Gothic Architecture. See also: Gothic Sculpture.

The 12th century was a period of growth in trade and urban development throughout Europe. This inceasing prosperity, together with advances in science and geometry, plus new ideas about how cathedrals could be built in order to inspire religious devotion among the masses, were all important factors in the development of gothic architecture. Although the new style was closely associated with the promotion of religion, and although much of the gothic building program was financed by monastic orders and local bishops, it was not a religious architectural movement. In a way, Christianity was a product brand used by secular authorities, to compete for prestige and influence. As a result, Kings and lesser administrators saw cathedrals as major civic and commercial assets, and supported their construction accordingly.

Key Feature of Gothic Architecture

The principal feature of the Gothic style is the pointed arch, believed by many experts to originate in Assyrian, and later, Islamic architecture. This feature, which channeled the weight of the ceiling onto weight-bearing piers or columns at a much steeper angle than was previously possible with the Romanesque 'rounded' arches, permitted architects to raise vaults much higher and thus create the impression of 'reaching towards heaven'. It also led to the adoption of numerous other features. Instead of massively thick walls, small windows and dim interiors, the new Gothic buildings had thin walls, often supported by flying buttresses, and huge stained glass windows, as exemplified by Sainte Chapelle (1241-48) in Paris. The soaring ceilings and brighter light revolutionized ecclesistical design by tranforming the interior of many cathedrals into inspirational sanctuaries. (See also: Stained Glass Art: Materials and Methods.)

The Gothic Cathedral - A Mini-Universe

In keeping with the new and more confident philosophy of the age, the Gothic cathedral was seen by architects and churchmen as representing the universe in miniature. Each element of the building's design was intended to convey a theological message: the awesome glory of God. Thus the logical and ordered nature of the structure reflected the clarity and rationality of God's universe, while the sculptures, stained glass windows and murals illustrated the moral messages of the Bible.

The Church of Saint-Denis (c.1137-41)

The building which marks the real beginning of the Gothic era was the Abbey Church of Saint-Denis, near Paris. Begun under the direction of Abbot Suger, friend of the French Kings, Louis VI and Louis VII, the church was the first structure to use and unify all of the elements that define Gothic as an architectural style. Although pointed arches, column clusters and cross-rib vaulting had all been used before, it wasn't until Saint-Denis that these features came together in a coherent whole, and the building became a sort of prototype for more churches and cathedrals in the region known as the Ile de France. In due course, the style spread throughout France, England, the Low Countries, Germany, Spain and Italy. (See also: English Gothic Sculpture and German Gothic Sculpture.)

Examples of Ecclesiastical Gothic Architecture

Although used in the design and construction of palaces, castles, municipal town halls, guild halls, abbeys and universities, the Gothic style is best exemplified by the Gothic cathedrals of Northern France. The greatest examples include: Notre-Dame Cathedral Paris (1163-1345) Reims Cathedral (1211-1275) Chartres Cathedral (1194-1250) and Amiens Cathedral (1220-1270) (in Germany) Cologne Cathedral (1248-1880) (in Austria) St Stephen's Cathedral Vienna (in Spain) the cathedrals of Burgos, Toledo and Leon (in Italy) Florence, Milan and Siena while English Gothic architecture is best represented by Westminster Abbey, York Minster and the cathedrals of Salisbury, Exeter, Winchester, Canterbury and Lincoln.

Renaissance-Style Architecture (1400-1620)

Financed by commercial prosperity and competition between city-states, such as Florence, Rome and Venice, as well as rich families like the Medici banking dynasty in Florence and the Fuggers banking family in Germany, the Renaissance was neverthess a triumph of will over world events. Not long before, there had been a run of disastrous European harvests (1315-19) the Black Death plague (1346) which wiped out one third of the European population the 100 Years War between England and France (1339-1439), and the Christian Church was polarized by schism. Hardly ideal conditions for the rebirth or rinacimento lo que siguió. As it was, the 16th century Popes in Rome almost bankrupted the Church in the early 16th century due to their profligate financing of fine buildings and the visual arts.

Renaissance architecture was catalyzed by the rediscovery of architectural styles and theories of Ancient Rome. The first depictions of this Classical architecture emerged in Italy during the early 15th century when a copy of De Architectura ("Ten Books Conerning Architecture") by the 1st century Roman architect Vitruvius, was sudddenly unearthed in Rome. At the same time, the Florentine architect and artist Filippo Brunellesci (1377-1446) had begun studying ancient Roman designs, and was convinced that ideal building proportions could be ascertained from mathematical and geometrical principles. It was Brunellesci's magnificent 1418 design for the dome of the Florence Cathedral (1420-36) - now regarded as the first example of Renaissance architecture - which ushered in a new style based on the long-neglected placement and proportion rules of Classical Antiquity.

Famous Renaissance Architects

Another important Renaissance architect was Leon Battista Alberti (1404-72), who is still revered as one of the founders of modern architectural theory. Believing that ideal architectural design was based on the harmony of structure, function and decoration, he was greatly inspired by the theory and practice of ancient Roman architects and engineers.

Other famous Italian architects included: (1) Donato Bramante (1444-1514), the leading designer of the High Renaissance (2) Guiliano da Sangallo (1443-1516), an important intermediary architect between the Early and High Renaissance periods (3) Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), a leading architect, as well as one of the greatest sculptors and painters of the age (4) Baldassare Peruzzi (1481-1536), an important architect and interior designer (5) Raffaello Santi (Raphael) (1483-1520), a visionary designer as well as painter (6) Michele Sanmicheli (1484-1559), the most famous pupil of Bramante (7 & 8) Jacopo Sansovino (1486-1570) and Andrea Palladio (1508-1580), the two top figures in Venetian Renaissance architecture (9) Giulio Romano (1499-1546), the main exponent of Italian Mannerist-style architecture (10) Giorgio Vasari (1511-1574) who designed the loggia for the Uffizi gallery and the connecting Vasari Corridor and (11) Vincenzo Scamozzi (1548-1616) one of the great theorists of the late Renaissance.

Features of Renaissance Architecture

Put simply, Renaissance buildings were modelled on the classical architecture of the Greeks and Romans, but retained modern features of Byzantine and Gothic invention, such as complex domes and towers. In addition, while replicating and improving on Classical scupture, they also incorporated modern mosaics and stained glass, along with outstanding fresco murals. Renaissance architecture can be seen in countless examples of churches, cathedrals and municipal buildings across Europe, (eg. in many French Chateaux, such as Fontainebleau Chateau, home of the Fontainebleau School: 1528-1610) and its style has been reapplied in later ages to famous structures as diverse as the US Capitol and the UK National Gallery. (In England, the style is sometimes known as Elizabethan architecture.)

Supreme Examples of Renaissance Architecture

The two greatest Renaissance-style structures are undoubtedly the redesigned St Peter's Basilica in Rome and the cathedral in Florence, both of which were highlights of the Grand Tour (1650-1850).

Inspired by civic rivalry between the Ducal States, Brunellesci's dome made the Florentine cathedral the tallest building in Tuscany. In its architectural design, it combined the Gothic tradition of stone vaulting and the principles of Roman engineering. Its herring-bone bonding of brickwork and concentric rings of masonry blocks dispensed with the need for centring, which was unmanagable at the height involved.

Commissioned by Pope Julius II (1443-1513), the rebuilding of the 1,100 year old church of St Peter's in Rome (1506-1626) was the work of numerous architects, including Bramante, Raphael, Sangallo, Maderno, Michelangelo and Bernini, and extended beyond the High Renaissance into the Mannerist and Baroque eras. Its features include a 87-feet high lantern on top of a huge ovoid dome (altered from Michelangelo's hemispherical design due to fears of instability), and a frontal facade incorporating a gigantic Order of pilastered Corinthian columns, each 90 feet high. At 452 feet, St Peter's is taller than any other Renaissance church.

Baroque Architecture (1550-1790)

As the 16th century unfolded, the religious, political and philosophical certainties which had prevailed during the Early (c.1400-85) and High (1486-1520) Renaissance periods, began to unravel. In 1517, Martin Luther sparked the Protestant Reformation, casting European-wide doubt on the integrity and theology of the Roman Church. This was the catalyst for several wars involving France, Italy, Spain and England, and led directly to the Counter-Reformation movement, launched by Rome, to attract the masses away from Protestantism. Renewed patronage of the visual arts and architecture was a key instrument in this propaganda campaign, and resulted in a grander, more dramatic style in both areas. For the rest of the century, this more dynamic style was known as Mannerism (style-ishness), and thereafter, Baroque - a term derived from the Portugese word barocco, meaning 'an irregular pearl'.

Key Features of the Baroque Style

Baroque architecture can be seen as a more complex, more detailed, more elaborate, more ornamented form of Renaissance architecture. More swirls, more complex manipulation of light, colour, texture and perspective. On the outside of its churches, it featured more ostentatious facades, domes, columns, sculpture and other embellishments. On the inside, its floor-plans were more varied. Long, narrow naves were displaced by wider, sometimes circular shapes separate chapels and other areas were created, along with trampantojo effects ceilings were covered in fresco paintings. The whole thing was designed to interest, if not dazzle, the spectator.

Baroque was an emotional style of architecture, and took full advantage of the theatrical potential of the urban landscape. This is exemplified above all by Saint Peter's Square (1656-67) in Rome, in front of the domed St Peter's Basilica. Its architect, Giovanni/Gianlorenzo Bernini rings the square with colonnades, which widen slightly as they approach the cathedral, conveying the impression to visitors that they are being embraced by the arms of the Catholic Church. The entire approach is constructed on a gigantic scale, to induce feelings of awe.

In general, Baroque architecture constituted part of the struggle for religious superiority and for the hearts and minds of worshippers across Europe. On a more political level, secular Baroque architecture was employed to buttress the absolutism of reigning monarchs, like King Louis XIV of France, among others. From Italy, it spread to the rest of Europe - especially Catholic Europe - where each country typically developed its own interpretation. See also: German Baroque Art.

Celebrated Baroque Architects

Famous Baroque architects included: Giacomo Barozzi da Vignola (1507-73), papal architect to Pope Julius III and the Farnese family Gianlorenzo Bernini (1598-1680), a designer who perfectly expressed the ideals of the Counter Reformation Francesco Borromini (1599-1667), a lifelong rival of Bernini Pietro Berrettini da Cortona (1596-1669), a protege of Pope Urban VIII (see also quadratura) Francois Mansart (1598-1666), designer of French townhouses and chateaux like the Château de Maisons, whose name was given to the mansard roof (sic) his great-nephew Jules Hardouin Mansart (1646-1708), designer of the great dome of Les Invalides in Paris and Louis Le Vau (1612-70), another famous French Baroque architect, responsible for the church of Saint-Sulpice in Paris and the Wings of the Louvre. Jules Hardouin Mansart and Louis Le Vau were the main architects of the Palace of Versailles (begun 1623), creating such extravagancies as the Hall of Mirrors and the Marble Court. In Germany, an iconic Baroque structure is the Wurzburg Residenz (1720-44), designed by Balthasar Neumann (1687-1753).

In England, the leader of the Baroque style was Sir John Vanbrugh (1664-1726), designer of Blenheim Palace while in Russia, Bartolomeo Rastrelli (1700-1771) was chiefly responsible for the style known as Russian Baroque, but which incorporated elements of both early Neoclassical and Rococo architecture. Rastrelli designed the Winter Palace (1754-62), Smolny Cathedral (1748-57) in St Petersburg, and redesigned Catherine's Palace, outside the city.

Rococo Architecture (1715-89)

During the last phase of Baroque, the reign of King Louis XV of France witnessed a revolt against the earlier Baroque style of Louis XIV's court, and the emergence of a more decorative, playful style of architecture, known as Rococo. An amalgam of the words 'rocaille' (rock) and 'coquillage' (sells), reflecting its abundance of flowing curved forms, Rococo was championed by Nicolas Pineau, who partnered Jules Hardouin-Mansart in designing interiors for the royal Château de Marly.

Unlike other major architectural movements, like Romanesque, Gothic or Baroque, Rococo was really concerned with interior design. This was because it emerged and remained centred in France, where rich patrons were unwilling to rebuild houses and chateaux, preferring instead to remodel their interiors. And the style was far too whimsical and light-hearted for the exteriors of religious and civic buildings. As a result, Rococo architects - in effect, interior designers - confined themselves to creating elaborately decorated rooms, whose plasterwork, murals, tapestries, furniture, mirrors, porcelain, silks, chinoiserie and other embellishments presented the visitor with a complete aesthetic experience - a total work of art (but hardly architecture!)

Rococo perfectly reflected the decadent indolence and degeneracy of the French Royal Court and High Society. Perhaps because of this, although it spread from France to Germany, where it proved more popular with Catholics than Protestants, it was less well received in other European countries like England, The Low Countries, Spain and even Italy. It was swept away by the French Revolution and by the sterner Neoclassicism which heralded a return to Classical values and styles, more in keeping with the Age of Enlightenment and Reason.

Neoclassical Architecture (1640-1850)

Early Neoclassical Forms

Neoclassicism did not appear overnight. In its early forms (1640-1750), it co-existed with Baroque, and functioned as a corrective style to the latter's more flamboyant excesses. Thus in England, Sir Christopher Wren (1632-1723) designed St Paul's Cathedral, the Royal Observatory in Greenwich, the Royal Chelsea Hospital and the Sheldonian Theatre in Oxford, in a style which is much more classicist than Baroque, even though he is still classified as a Baroque architect. Other early English Neoclassicist designers included Inigo Jones (1573-1652) and William Kent (1685-1748).

Features of Neoclassicism Proper (1750-1850)

A timely support for ancien regimes throughout Europe, from St Petersburg to Vienna, and a model for youthful empires-to-come like the United States of America, Neoclassical art was yet another return to the Classical Orders of Greek and Roman Antiquity. Although, as in the Renaissance, the style retained all the engineering advances and new materials of the modern era. It was characterized by monumental structures, supported or decorated by columns of Doric, Ionic or Corinthian pillars, and topped with classical Renaissance domes. Technical innovations of late 18th century architecture like layered cupolas and inner cores added strength to domes, and their dimensions increased, lending increased grandeur to civic buildings, churches, educational facilities and large private homes.

Neoclassical architecture originated in Paris, largely due to the presence of French designers trained at the French Academy in Rome. Famous French architects included: Jacques Germain Soufflot (1713-80), who designed the Pantheon (1756-97) in Paris Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), designer of the Royal Saltworks at Arc-et-Senans (1773-93) and the Cathedral of Saint-Germaine (1762-64) and Jean Chalgrin, who designed the Arc de Triomphe (1806). In England the tradition was maintained by Paris-trained Sir William Chambers, Robert Adam (1728-92), John Nash (1752-1835), Sir John Sloane (1753-1837), William Wilkins (1778-1839) and Sir Robert Smirke (1780-1867). It was quickly adopted by progressive circles in Sweden as well. In Germany, Neoclassical architects included: Carl Gotthard Langhans (1732-1808), designer of the Brandenburg Gate (1789-91) in Berlin Karl Friedrich Schinkel (1781-1841), responsible for the Konzerthaus on Gendarmenmarkt (1818-21), the Tegel Palace (1821-4), and the Altes Museum (1823-30), all in Berlin. These two architects transformed the Prussian capital of Berlin to rival Paris or Rome in classical splendour.

Russian Neoclassicism

Rastrelli's Baroque style Russian buildings, like the Winter Palace (1754-62), did not find favour with Catherine the Great (1762-1850), who preferred Neoclassical designs. As a result, she summoned the Scottish architect Charles Cameron (c.1745�), who built the Pavlovsk Palace (1782-86) near St Petersburg, the Razumovsky Palace in the Ukraine (1802) and the Alexander Palace outside St Petersburg (1812). Other important neoclassical architects for the Russian Czars included: Vincenzo Brenna (Cameron's pupil), Giacomo Quarenghi y Matvey Fyodorovich Kazakov.

American Neoclassicism

The United States Capitol Building, with its neoclassical frontage and dome, is one of America's most recognizable and iconic structures. Begun in 1793, its basic design was the work of William Thornton (1759-1828), reworked by Benjamin Latrobe (1764-1820), Stephen Hallet y Charles Bulfinch (1763-1844). The dome and rotunda were initially built from wood, but later replaced with stone and iron. The overall design was inspired by both the eastern facade of the Louvre Museum in Paris, and by the Pantheon in Rome. Latrobe himself went on to design numerous other buildings in America, in the Neoclassical style including: the Bank of Pennsylvania (1789), Richmond Capitol (1796), the Fairmount Waterworks, Philadelphia (1799), and the Baltimore Exchange (1816), to name but a few. Bulfinch completed the Capitol in the 1820s, setting the template for other state capitols in the process, and then returned to his architectural practice in Boston. A key figure in the development of American architecture during the early 19th century, was the third US President Thomas Jefferson (1743-1826), whose strong preference for neoclassicism, in the design of public buildings, had a strong influence on his contemporaries.

19th Century Architecture

19th-Century architecture in Europe and America witnessed no new important design movements or schools of thought. Instead, there emerged a number of revivals of old styles. These included: The Greek Revival (American followers included Jefferson and Latrobe) the Gothic Revival - led by Viollet-le-Duc in France American followers included Richard Upjohn (1802-78) and James Renwick (1818-95) a Neo-Romanesque Revival (1849-1880), led by Henry Hobson Richardson Beaux-Arts architecture - a fusion of neo-Renaissance and neo-Baroque forms, practiced by Richard Morris Hunt (1827-95) - best known for designing the plinth of the Estatua de la Libertad (1870-86) - and by the Ohio-born Cass Gilbert (1859-1934) and the Segundo imperio style (1850-80) in France, which was characterized by a revival of the Mansard Roof. The only monumental architectural masterpiece was the Eiffel Tower (1885-89), built by the French architect Stephen Sauvestre and the French engineer Gustave Eiffel (1832-1923). Wrought iron frameworks were also a feature of Victorian architecture in Britain (1840-1900) - thanks to Robert Stephenson (1803-59) and Isambard Kingdom Brunel (1806-59) - as were other new materials, like glass - as used in the construction of Crystal Palace, designed by Joseph Paxton (1801-65). Popular Victorian styles included Neo-Gothic and Jacobethan. A giant replica of a viaduct pylon, the tower is built entirely from iron girders. The only significant exception to the above Revivalist movements was the fin de siecle appearance of Art Nouveau architecture, pioneered by Antoni Gaudi (1852-1926), Victor Horta (1861-1947) and Hector Guimard (1867-1942), and by Secessionists like the Viennese architect Joseph Maria Olbrich (1867-1908).

The greatest ever American architect, Frank Lloyd Wright (1867-1959) revolutionized spatial concepts with his Prairie house style of domestic architecture, introducing open-plan layouts and the widespread use of unfinished natural materials. Prairie School architecture is exemplified by Robie House (1910), Fallingwater (1936-37), Unity Temple (1936-39), Imperial Hotel Tokyo, Textile Block Houses, Johnson Wax Building (1936-39), Usonian House (mid-1930s), Price Tower (1955), Guggenheim Museum NY (1956-9). Influenced by American colonial architecture, 19th century Shingle style designs and Japanese architecture, as well as the Arts and Crafts movement, he also paid the closest attention to the detail of interior fixtures and fittings and the use of natural, local materials. Wright's work showed that European traditionalism (and modernism) was not the only answer to architectural issues in the United States.

However, an immense amount of development in both building design and engineering took place in American architecture, at this time, due to the Chicago School and the growth of skyscraper architecture, from 1849 onwards. These supertall buildings came to dominate later building design across the United States. The Chicago School of architecture, founded by the skyscraper architect and engineer William Le Baron Jenney (1832-1907), was the pioneer group. Other important contributors to supertall tower design included the ex-Bauhaus designers Walter Gropius (1883-1969) and Mies van der Rohe (1886-1969) Philip Johnson (1906-2005), Skidmore Owings and Merrill, their leading structural engineer Fazlur Khan (1929-82), I.M.Pei (b.1917).

For details of the greatest architectural designers in the United States, see: American Architects (1700-2000).

20th Century Architecture

Twentieth century architecture has been dominated by the use of new technologies, building techniques and construction materials. Here is a brief outline of the century's main architectural schools and movements. For details, see: 20th Century Architecture (1900-2000).

• 1900-20 Art Nouveau
• 1900-25 Early Modernism (See:Le Corbusier and Peter Behrens)
• 1900-25 Continental Avant-Garde (De Stijl, Neue Sachlichkeit)
• 1900-2000 Steel-frame Skyscraper Architecture
• 1907-33 Deutscher Werkbund
• 1919-33 Bauhaus Design (see the biography of Walter Gropius) this evolves into the International Style of Modern Architecture (1940-70).
• 1925-40 Art Deco
• 1928-40 Totalitarian Architecture (Germany/USSR) - see Nazi art (1933-45)
• 1945-70 Late Modernism: Second Chicago School of Architecture
• 1945-2000 High Tech Corporate Design Architecture
• 1960-2000 Postmodernist Art
• 1980-2000 Deconstructivism - see Frank O. Gehry (b.1929).
• 1990-2000 Blobitecture

• For more details of types and history of architecture, see: Visual Arts Encyclopedia.


Ancient Georgian Column Capital - History

Temples were built in ancient Greece using three orders of columns. Wanting to emulate this style, Thomas Jefferson was the architect of neo-classical buildings in the United States.

Most Greek temples are fine examples of the Doric or Ionic orders.
The Doric order was the earliest and simplest of all three columns. It is thicker than the others and top of the column (capital) is plain, without a column base.

The Ionic order began in the Greek cities of Ionia (on the western coast of modern Turkey). It has thinner columns, a decorated capital (volute). The decoration may have been inspired by the curve of a ram’s horn.

Lastly, the Corinthian column, originally designed by Callimachus, was the most elaborate. Acanthus leaves were carved around the capital, possibly smaller leaves on the bottom rising to larger leaves on top. A smaller version of the volutes (helix) may have been incorporated. The Corinthian style was particularly popular with the Romans.

In the second half of the 18th century, expeditions to Greece would help foster the first volume of "The Antiquities of Athens," published in 1762.
In the 19th century archeological digs were organized by Greece, France, and Germany. Interest in the classical period brought about excavations in the cities of Delphi and Olympia.

Wanting to emulate the Greek style in architecture, what is known as "Greek Revival" was prevalent from 1818-1850 in the U.S. and abroad. Colonial and Georgian style houses were changed so as to resemble the Parthenon of Greece.

In the U.S., Thomas Jefferson, minister to France in 1784, studied architecture while in Europe. He owned a copy of "The Antiquities of Athens" and was also impressed with drawings by Renaissance architect Andrea Palladio, who was influenced by ancient Rome.

Thomas Jefferson, as architect, introduced neo-classical architecture to the U.S. with the Virginia state capitol at Richmond, his home at Monticello (1767-1770), and the University of Virginia (1825).

Other fine examples of Greek Revival architecture are: William Strickland’s "Second Bank of the U.S." (Philadelphia 1824) and Alexander Parris’ "Faneuil Hall" (Boston 1825-1826).

You can own a print of Thomas Jefferson's Monticello home.

For a nice photographic print of Boston's Faneuil Hall (with Greek Revival pillars on left building).

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Italian Renaissance Interiors

Interior unity became important during the Renaissance. Most interior rooms were rectangular. Domestic interiors were sparsely furnished and lavishly decorated. Grotesque were the Renaissance interpretations of ancient Roman ornament. They were usually underground. They were made of paint or stucco, and had colorful depictions of animal flowers animals, flowers, mythological creatures, and architecture.

Interior color comes from construction materials and fresco paintings. Textiles and wallpaper give color in residences. Colors used include scarlet, cobalt blue, gold, deep green, and cream.


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